王羲之《兰亭集序》与苏轼《寒食帖》[分享]

书法，讲究书风。书圣王羲之的《兰亭集序》被公认为书法艺术的典范，它具有书法的“自然美”与“人工美”的普遍意义。王羲之写得太好看了，即便不懂书法的普通人，都认得那间于行楷之间的“美”字。“他的字与现代书法相通，却又称为过去，但又因其普遍性而永存于未来。”(日本·石川九杨《中国书法史》)而理解王義之《兰亭集序》书风的普遍性，是不是就是说，山水不因人而存在，然山水之美却因人的呼应而传世，两者又高度契合与协调，就像那音乐上的有名的“大三和弦”。
魏晋的黑暗，在王羲之那里是看不到的，一切的外部环境，都被此刻的“好心情”选择性过滤，剩下点画的舒缓有致，波折的行云流水。书法的形式，于此成为自我荡涤，与世无争的某种表现主义。
如果说，王義之的结构与章法，更多反映了眼睛与自然的美好关系，流动也好，静止也好，局部也好，整体也好，彼此相对地存在——“那一刻”的美好，从一开始就注定被艺术家锁定为“永恒”。华夏的山水画家们，所谓师法自然，大约从此直接获益。
后来，书法终于迎来革新时代。人们对于王羲之“普遍意义”审美疲劳，喜欢上了别扭新奇的“歪字”；《寒食帖》上半部分向右上倾斜，像个肩周风湿炎的老年患者；《松风阁诗卷》昂首踢腿，一律闪了腰地喊疼；《吴江舟中诗卷》右伸左缩，要不是读者心目中，自有一根拐杖暗示撑着，那字可就彻底凉倒了。
寒食以《寒食帖》名闻天下。在此之前，它只是中国人一个普通的祭祀忌日。
《寒食帖》所以在书画史上有着显赫地位，因为苏轼以其命名并设计了中国书画的文人规则。
中国绘画强调笔墨，替代语言的抒情叙事。就像苏轼那张叫《枯木怪石图》的传世名画。技术派看到毛笔的充分运用，点、勾、皴、擦，笔画分明，无处不书法，无处不中国。从中可以看到苏轼矛盾的心结：一边是刚刚抛洒的寂寥和伤感，散乱，逼窄，一边是渐渐向内收敛的自律和虔诚。读《寒食帖》，人们往往会谈到其内容(文本)的叙事性(语境)，与形式(纸本)的情绪性(书境)，两者高度统一，并依靠作者和读者的共鸣实现。
致力于书法形式的美学家们，更偏重于上述观点，对其书法本有的价值，则语焉不详。比如，把它归为文人书写作品。有什么意思呢？一来苏轼本人倡导尚意(写意)，二来它与历代书法主流的追求不太一样。说白了，在走汉隶魏碑，晋唐楷体一路的书家们看来，苏体书法本身的形式美，要打折扣，它的价值显著地有着苏轼本人的道德文化的加持印迹。
《寒食帖》的生命力是北宋的苏轼，面对苍穹和人生的无声呐喊，沉重而鲜活，以“帖”的表面形式(物)存在，但此帖不仅是“物”，俨然新的生命体——复合了苏轼的生命个体和美学理解，以及千百年来人们的共鸣(共识)。它一边拷问着我们业已麻木的肉体，对抗人生无常，一边还得承受岁月无边的黑暗侵扰，独自寂寥下去。此后，更多不可预见的未知和变数。人们对于未来的担忧，形形色色，林林总总，或将赋予《寒食帖》穿越近古，步入现代的意义。
《寒食帖》把苏轼人生低谷悲剧性审美，升华到了一个现代性的高度。现实主义与理想主义的郁结，到了不得不突破的临界点。苏轼选择了以“性灵”做诗和写帖。作者声明：本帖为本人原创，未经本人和华声论坛许可，不得转载

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